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Los 30 mycrosurcos de 2016: 3ª PARTE y última, una banda sonora de 365 días (álbumes del 10 al 1).

10. CASS McCOMBS “Mangy love”

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          “Mangy love” es un disco inquieto, de esos que se mueven en un plano de elasticidad y magia, tocado por el suave aroma de las melodías hipnóticas que, según el momento en que las escuches, te sugieren una cosa u otra. Por eso nos gusta tanto Cass McCombs, porque lo mismo retuerce un tema, aparentemente sencillo (“Laughter is the best medecine“), para que suene espacial y lisérgico; que se enroca en un riff monótono para que nos perdamos entre la atención y el desasosiego (“Rancid girl“, por ejemplo); o hace un vacile precioso (coros celestiales de Angel Olsen) como si no estuviéramos ni aquí ni ahora (“Opposite house“), pero en algún sitio. No hace McCombs canciones con un estilo concreto. No hace folk, no hace rock, no hace Americana. Sin levantar la voz expande su ironía con destellos de los 70 y de los 80. En este disco, incluso, se atreve a hacer su peculiar marcianada: casi un rap a ritmo de calipso en “Run sister run“. Un disco bellísimo, de esos que palpitan en las estanterías, entre los otros discos; de esos que levitan por encima de las listas con los mejores del año.

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9. WEYES BLOOD “Front row seat to earth”

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          Natalie Mering (Weyes Blood) ha sabido encontrar la clave para hacer un disco intrigante y terriblemente seductor. “Front row seat to earth” está compuesto de 9 canciones, lánguidas y arriesgadas, que, como un todo, recorren sutiles recovecos de psicodelia pastoral entre insinuaciones armónicas atemporales que encajan con poética eficacia en la concepción de una obra crítica y original. El hombre desubicado encuentra en el regazo de este álbum el consuelo de la identificación (la soledad y la ironía de la portada), fuego que alimenta la sonrisa que sigue a la sorpresa de la clave.

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8. JUAN PERRO “El viaje”

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          Yo creo que el viaje al que alude Santiago Auserón en el título de su último álbum es el viaje que emprende el escritor (de canciones, de poesía…) en busca de las palabras adecuadas. Un viaje (siempre iniciático) que puede durar años hasta que éste encuentra la salida (o la llegada) con la que dar por concluida (o iniciada) una canción (una poesía). Queda escrito en el libreto interior que las 15 canciones que componen “El viaje” fueron compuestas entre 1997 y 2015: “Algunas dejadas a medio hacer, años después reclamaron atención. Otras quedaron fuera de las sesiones de grabación.” Asombrosa peripecia (sacar un disco al mercado también) de rimas que se cantan solas, bueno, con el acompañamiento de una guitarra: la soledad del cantor de fondo, eso también es “El viaje“.

          Que aquellas que aquí se parecen no son bosquejos, sino canciones de aire, de agua de limón, de ámbar, y lo que en ellas parecen esqueletos son la savia, que, volteadas por el autor, hacen vibrar el corazón como el vino. 

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7. THE GLOAMING “2”

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          Cuando te das cuenta, después de una hora y diez, de que el disco que te has puesto se ha terminado y ha pasado como un suspiro, eso es amor a primera escucha. Cuando, después de una hora y diez, has sentido emoción, congoja, alegría, tristeza, melancolía… eso es hipnosis musical. The Gloaming son un quinteto formado por los irlandeses Martin Hayes (violín), Dennis Cahill (guitarra), Iarla Ó Lionáird (voz) y Caoimhin Ó Raghallaigh (violín), más el pianista y productor americano, Thomas Bartlett (también conocido como Doveman). Músicos portentosos que bucean en la tradición folclórica irlandesa para sacar a flote canciones laberínticas, perfumadas con la esencia de la naturaleza, a las que, sabiamente, The Gloaming añaden una pizquita de sosiego y calor.

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6. PJ HARVEY “The Hope Six Demolition Project”

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          Tan espectacular y combativa como siempre, PJ Harvey se ha basado en la mirada para componer su último disco. Una mirada muy poco complaciente, digamos que alucinada, con el desaguisado que (en este mundo) todos estamos cometiendo contra todos. Más humanista que política, la mirada de Harvey, con el foco puesto en Afganistán, Kosovo y y los barrios marginales de Washington D.C., acaba por convertir “The hope six demolition project” en un álbum urgente de canciones directas (nada de tesis), impresionadas e improvisadas, cuya catarsis (coros gospel, saxofones espartanos, redobles militares, blues incendiario…) queda adormecida con el tema espejo final, “Dollar, dollar“. El reverso del pop hecho pop.

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5. BLOOD ORANGE “Freetown sound”

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          Rendidos ante esa preciosidad que es “Augustine” (la mejor canción del año para el que esto escribe), “Freetown sound” tiene la cualidad de ser un álbum que pivota alrededor de ésta. Y no sólo eso. Prolongación de un sonido ensimismado y envolvente, las 16 pistas que engalanan “Augustine” se recrean en esa grandiosa idea y sacan petróleo de ella: Atmósferas funk con un pasado sonrojante (“E.V.P.” se encuentra a Wham! en el estribillo), dispersiones varias (“With him” desembocando en “Squash squash” y “Love ya“), palpitantes esbozos (“Chance“), humildes enormidades (“But you“), digresiones virtuosas (“Desirée“), mágicas virguerías (“Hadron Collider“), narcóticos reclamos (“Hands up“), superlativas herencias purpúreas (“Better than me“), inusitadas redondeces (“Thank you“, “I know“), baladas de cierre e introspección (“Beter numb“). Un discazo de una sola canción con 17 pistas.

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4. FRANK OCEAN “Blonde”

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          “Blond” es inferior a su anterior trabajo, “Channel ORANGE“, pero eso no significa que Frank Ocean se haya relajado, todo lo contrario. Sin concesiones a la galería, solatndo lastre y, prácticamente, tirando por la borda el instinto comercial del negocio, el tipo decide lanzar en 2016 dos álbumes (casi) a la vez. Pasa del formato físico y, creativamente hablando, prefiere hacer, por un lado, un ajuste de cuentas contractual con ingenioso sex appeal (“Endless“, el disco mellizo); por otro, “Blond“, una reivindicación alucinante de su poderío (hago lo que quiero), casi sin estribillos, sin una canción clara con la que dinamitar internet. Para qué, si en realidad todo el disco es la dinamita. Así que (sin remedio) ninguno de los dos LP’s entra a la primera. “Endless” es, directamente, esquivo; “Blond” es lánguido y minimalista: Ocean decide quitarle el ritmo a las composiciones. Bueno, no exactamente. Parece que las canciones estuvieran grabadas como fueron concebidas (desnudas, sin electrificar) y que, a continuación, Ocean jugara a dotarlas de una inquietante personalidad electrónica a base de detallitos nocturnos esporádicos. ¡Qué cabrón, qué bueno!

(leer la crítica completa de mycrosurcos)

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3. VIJAY IYER / WADADA LEO SMITH “A cosmic rhythm with each stroke”

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          Un brote de genio e inspiración a raíz de un encargo del Metropolitan Museum de Nueva York. Como nexo de unión, la revolucionaria artista india, Nasreen Mohamedi, cuya obra en retrospectiva ya no sólo puede verse sino también escucharse gracias a esta suite, flanqueada por un tema de arranque, “Passage” (de Vijay), y uno de conclusión, “Marian Anderson” (de Wadada), otro homenaje, a la no menos revolucionaria cantante negra de lírica, Marian Anderson. En “A cosmic rhythm with each stroke“, el veterano trompetista Wadada Leo Smith y su socio, el pianista Vijay Iyer (que ya había formado parte del Golden Quartet de Smith), cogen al vuelo el encargo y sucumben a la tentación de convertir la tinta y el grafito de Mohamedi en embrujo y abstracción musical. Un disco infinito, indicado especialmente para aquellos que todavía creen que es imposible que con la música se pueda volar.

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2. NICK CAVE & THE BAD SEEDS “Skeleton Tree”

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          El año de los discos negros. El año del duelo y el luto. El año de la pérdida y, en este caso, la obsesión. El señor de la tinieblas aludiendo a la premonición y, sin remedio, a la sinceridad creativa. Cima del páramo espiritual con la imprudencia del que se deja la voz cerca de la llama (“We kill the flame“). Si escuchar un disco de Nick Cave siempre fue una especie de ritual, esta vez el ritual es el réquiem. Epifanía o cómo zanjar el tema, en “Skeleton tree” (el álbum) se estrecha aún más el vínculo entre Cave y Warren Ellis, socio y sustento de esta dolorosa creación llamada barbaridad.

(leer la crítica completa de mycrosurcos)

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Ex aequo:

1. DAVID BOWIE “Blackstar” y LEONARD COHEN “You want it darker”

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          Algo, una pequeña parte de mi esencia está constituida con el material que estos dos señores, a lo largo de su vida, convirtieron en cultura. Sí, cultura. Y mi cultura, una parte de ella, se la debo a ellos. Y la felicidad también, claro. Y la emoción. Y a lo que nos lleva: a la devoción.

          Cultura y educación, oído y sentido del ritmo (poético y musical). Hice (hago) lo que pude (puedo). De mis carencias ellos no tienen la culpa, que mis carencias son sólo mías.

            Ahora que mi habitación es una aburrida habitación de adulto, y los posters de Bowie y Cohen están guardados dentro del armario, asumo la parte de mí que se va con ellos, pero me reafirmo, con más pasión, en la parte de ellos que se queda aquí conmigo.

          Y en estas que uno dijo, Blackstar y el otro contestó, You want it darker.

          Independientes pero complementarios.

          Discografía con Vida. Vida sin Discografía.

          Epílogos.

          El año del duelo y el luto.

          El año de los discos negros.

(leer la crítica completa de Blackstar)

(leer la crítica completa de You want it darker)

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